徐偉珍老師

自然而然、藏露淺深  吳冠德用身體實踐的藝術之道  徐偉珍撰

 

 

本文刊登於

WAVES生活潮藝文誌 春季號/2021
出版社：雨彤文化
出版日期：2021/03/25

 

藝術家吳冠德(Wu Kuan Te)自帶一股修行人的特殊氣質，其畫亦若是。1979年出生於台北，國立高雄師範大學美術系、國立台灣師範大學美術研究所西畫創作組碩士畢業，作品獲獎無數，曾任新莊高中教師兼特教組⻑、中華亞太水彩藝術協會秘書⻑與常務理事、教育部審定高中美術教科書編撰者，作品曾獲國父紀念館、中正紀念堂、桃園縣政府、苗栗縣政府等公立單位用久典藏，作品獲邀美國紐約 Tenri Gallery、法國巴黎 ArtPaul Gallery、義大利 Fabriano、澳洲雪梨 Mosman Art Gallery、泰國 HuaHin BluPort 以及韓國、新加 坡、馬來⻄亞、香港、上海、深圳等國際展出，作品曾被法國收編入《世界水彩選集》。

 

小標：幼年種下  藝術種子

 

(配圖：吳冠德照片、寫生照、家人照。)

 

吳冠德的大伯吳耀忠(1937-1987) 幼年時期就開始用父親(吳冠德的爺爺)的齒模石膏當作粉筆，在三峽老家走廊上畫塗鴉，他是繼承畫家李梅樹寫實手法的嫡傳弟子，在70年代鄉土文學運動時，吳耀忠繪製了大部分的書籍封面，像是1976年出版的首部臺籍作家全集《鍾理和全集》與陳映真大部份著作，封面皆由其所繪製，吳耀忠受政治因素牽連，入獄多年，出獄後與吳冠德一家同住，透過門縫，吳冠德總能看見大伯作畫的身影，使吳冠德在年紀很小的時候，就能接觸藝術家的專業畫材，也在他心中撒下藝術的種子。

 

藝術家吳耀忠在吳冠德8歲時逝世，至今，吳冠德耳邊縈繞著的，仍是大伯的呢喃：「藝術是條不歸路...很辛苦的一條不歸路...」他暗暗記下這句話，這是對他而言很重要的一句話。吳冠德於繪畫上的啟蒙較早，在繪畫上的起步也很早，在國小四年級時，就開始跟嶺南派的大師葉靜山老師學習素描與水彩的基礎，這種難度在一般來說，至少要國中以上才能學習。

 

「當時只有我一個人是小朋友，其他學生都是高中生」吳冠德笑著說：「老師常帶我們去坐公車去基隆去看海、到陽明山看樹的生長，還會撿石頭放在桌上，要我們去觸摸、感覺。」在老師引導下，他真切地感覺到石頭千錘百鍊歲月的痕跡，再透過筆觸去呈現自己所思所見，對自然的嚮往在他繪畫的啟蒙階段烙下了痕跡，養成從小就喜歡看山看海、徜徉於大自然的性格。

 

父親吳耀進雖不是為藝術家，卻帶給吳冠德更為重要的思想養分，他於東方哲學著墨甚多，在吳冠德他還小的時候，就丟給他一本富有詳解的《道德經》，當時父親跟他說：「如果你讀懂了，人生就開闊了。」此外，更曾與吳冠德暢聊道德經、存在主義與美術史等，可見其哲學涵養豐富。

小標：《道德經》中之藝術-自然為體、為相、為用

 

到國中時，吳冠德因為青春期特有的苦澀與哀愁，於《道德經》中尋求慰藉，他本是愛好自然之人，《道德經》的哲學觀不僅使他獲得許多人生的啟發，也表現在其創作上。在他青少年時期，就時常一個人背著畫具，漫無目地的四處漂泊寫生，他曾在風雨中聽濤觀浪、在烈日下獨步林間，不只是找尋靈感，也為了找尋自己的存在，藝術家天性的浪漫，與自然率真的性情，結合了《道德經》之「道」，加上他於大自然中觀察到的「有感自然」已然成為他藝術風格中不可分割之整體。

 

在高雄師大時期，吳冠德其心靈導師高秀蓮教授（現為見迅法師），更加深了藝術家吳冠德將「藝術創作」視為「道之展現」的啟發，高教授以她在法國第一大學造型藝術博士所學發展出一系列以人性、動物性格、植物性格、神話等命題引導學生創作，學生每一週要創作出一件完整的作品，在上課前展演於教室，讓吳冠德有機會突破慣性，領悟創作中形而上的精神力量，了解「自覺而覺他」的重要，並認為自己身為一位「藝術家」，也應該承擔「教育家」的天命。

 

「透過創作關注生命本體的真實樣貌，藉由作品化為可見的形象，喚起心中探索靈魂、體驗自然的本能，突破操作視覺美感的慣性。」吳冠德說：「人的身體意志和宇宙間運行的『道』本為一體，在周行運動、循環往復間充滿了生動的氣韻流轉。外在的自然我們無法掌控也不可知，而內在的自然也有其自體運行之道。」

 

小標：《行為藝術系列》-人體是天生造就的自然

 

吳冠德大學時期以行為藝術、裝置和影像為主，其中為全台灣，甚至是對岸民眾所熟知的，就是他曾是2003年高師大在駁二特區的露天表演劇場「使命-天體日」主辦者，這起「裸體打籃球」活動還未舉辦，便震驚社會，一度鬧得沸沸揚揚、占盡各大媒體版面，惹出不少風波與爭議，因此活動改以在豆皮咖啡館身穿白衣、手持康乃馨，利用白煮蛋、白紙來表達天體─赤裸身體─的聖潔，並以天體來自於母體呼應隔日的母親節。

 

「天體乃為宇宙運行的道理，是哲學思想中的重要精神，在中醫的概念中象徵人體中心臟、血液、脈搏、骨骼等規律秩序。例如:心臟與動脈為非自主的收縮，而肌肉神經則受到意識的控制。」吳冠德說道：「身體在這樣自主與自然運作中自成一體，所以身體為宇宙的縮影，連結大宇宙自然運行。」

 

配圖：波光 雲影 跳躍中的自己  行為影像

 

吳冠德在大學時期的影像作品《波光、雲影、跳躍中的自己》，延續其「天體」觀，退去一身衣物，感受身體在反覆向上躍升的狀態中，身體內在最細微的變化，身體運動的過程，會感受到身體肌耐力與意志的極限，同時血液循環與心跳的速度也會有所變化，之後在合成剪輯波光與雲彩，使身體韻律與波光、雲彩發生虛實交疊的互動，呈現出其「天體運行」的自然觀。

 

大三升大四的暑假，吳冠德的父親在被送進加護病房的前一天，突然跟他說一句話：「冠德，你要思考什麼是藝術的主體性…」這竟成為父親對他的臨終期盼與遺言，他連接父親給予的《道德經》意涵，與他遇到過每一位恩師給予他的養分，確定了他此生的藝術道路---「回歸自然」。

 

對吳冠德而言，「回歸」是回到最單純的初衷，將藝術創作與人生更為緊密的結合，並且將「自然」分為三個面向：一是指河、海、山、林的自然天地以及身體與心靈內在自然；二是指讓自然成為一種生活態度，並去除過多人為意志導向的創作形式；三是指自發、自生、自然而然的自由狀態。這些，也是他秉持至今「回歸自然」的一貫創作理念。

 

配圖：至圓  行為藝術

 

《至圓》是吳冠德從大二(2002年)創作至今的行為藝術創作，由數個原本不完滿的「圓」層層交疊，漸漸交疊出趨於「正圓」的圖像。「面對這個圓好像在面對自己，手中的筆開始隨著先前的軌跡旋繞，在這個重複的動作之中，進入了『圓』之中，也進入了『我』之中，在不斷流轉的過程裡，生命也同時在流轉，轉向的是知與未知之間，感到無比的寧靜與自在。」吳冠德說：「我也體悟到，人生如同徒手畫圓的過程，每一個圓都是不完美的，但無數個圓累積起來，就成為一個至大的圓滿，因此一切順其自然方能體會『無常如常』之道。」

 

《至圓》的創作過程，也開展了他日後加上自動裝置，創作《天地流轉》圓幅作品，使得這些作品在機械作用下可以360度旋轉的審美新形式，除了畫作本身是圓型之外，也打破一般繪畫觀賞的方向性。一般來說，觀賞傳統水墨畫的視角為右到左、觀賞一般畫作皆是由上到下等，在觀賞《天地流轉》系列作品時，360度的視角，使得旋轉的過程觀眾的審美視角沒有起點、也沒有終點，凝聚成一個《至圓》，給人一種宇宙的廣大印象，也有許多人表示，每次看見吳冠德的畫作時，就好像是在觀賞齊柏林執導《看見台灣》的紀錄片，是那麼樣的真誠、坦率及「自然」，帶給人無比的祥和與寧靜。

 

配圖：共月

配圖：共月細部

配圖：法國總統歐蘭德蒞臨吳冠德個展現場

 

小標：《天地流轉系列》-觀象於天，觀法於地

 

在創作《至圓》時，吳冠德是以手的360度旋轉弧度、反覆描繪、令重重影子反覆疊加、以趨近於「正圓」，而創作《天地流轉》系列作品時，吳冠德是以360度繞行的「身體運轉」的方式，在圓形的畫布作畫，除此之外，吳冠德也特別在《天地流轉》系列作品後面安裝機械式旋轉裝置，同樣也令觀者視角以360度姿態觀看，無論創作者或是觀賞者皆以趨近於「正圓」的方式與畫作互動，這與宇宙星系的「自轉」與「公轉」原理不謀而合，因而更貼近「自然」。

 

《天地流轉》系列作品皆為180cm x 180cm的大幅圓形油畫作品，計有《吐納天地》、《如常蘊轉》、《共月》、《蘊轉1》~《蘊轉6》、《天地流轉1》~《天地流轉4》等10餘幅作品，吳冠德表示，此系列作品是「透過畫布背面的旋轉裝置，呈現時序遞嬗與空間變化，融入宇宙永恆的無盡循環中，孕育大地之能量，化為流動的光與氣，運行於無窮盡的道體間。」本系列作品於2019年吳冠德於香港的Art Central「天地無垠」個展時展出時，法國總統歐蘭德還特別蒞臨現場觀展；台旺文創也看重此系列作品的氣勢磅礡，因而將其《天地流轉》系列製成拼圖。

 

 

配圖：如常蘊轉 Eternal rotation」 吳冠德、石傅曼 油彩、繡線於棉布 直徑100cm 2018

配圖：-石傅曼「如常蘊轉 Eternal rotation」繡線於棉布

配圖：如常蘊轉局部圖

 

《如常蘊轉》是吳冠德與妻子石傅曼(Amanda Shih)因應2018年「台北繡」展演活動，結合傳統刺繡工藝與油畫創作第四度合作的作品。（前三次分別為2011年《祤白》、2014年《風靜》與2017年台南水岸藝術節）。吳冠德表示：「『蘊』轉之『蘊』，我取其包容、聚集、沉潛之意，這就是中文的奧妙。」

 

他採以道路邊、自然界撿拾的樹枝、種子、石頭等自然物取代油畫傳統的畫刀與畫筆，並以事先並未構圖、造物主式的「冥想」、「無所為而為」的「自動性技法」以減法將自然的形象從深藍的底色中刮除。

 

「透過刮除的技巧讓影像浮現，呼應大地之母所孕育不斷向下扎根、向上延伸的生命。」吳冠德說：「畫面中央結合傳統刺繡的技巧，漆黑的夜空中，呈現月相：朔（新月）、娥眉月、上弦月、盈凸月、望（滿月）、虧凸月、下弦月、殘月的變化，象徵時間的流轉、物換星移，體現無盡地道體運行間，生命無常如常之理。刺繡的工法與我本身油畫創作有許多相似，皆以線性為主，需要耐心與專注力一點一滴積累，在反覆操作的過程中以動入靜，在密集勞動身心狀態中進入形而上的精神力量。」

 

有別於傳統繪畫以顏色彩繪的「加法」，吳冠德以自然物取代比，並以自然冥想的「減法」方式，

讓畫面上的自然風景「自然而然」地生成，並以360度繞行的方式作畫、讓畫作360度旋轉，呼應宇宙星際引力間的自轉與公轉，這些，也在在符合吳冠德所倡導的、三種層次的「自然」與其「藝術之道」。結合妻子傳統刺繡工法之創作，就如同吳冠德所說：「不僅是視覺的藝術、是觸覺的藝術、更是具有強大身體性與時間的藝術，並且能創造更多傳統與當代結合的可能性！」

 

大學畢業後，吳冠德一邊在母校新莊高中兼課、一邊就讀於國立臺灣師範大學美術系研究所，在師大，他遇見了陳淑華老師，其多元的美術史觀，對吳冠德創作產生了深刻的影響，使他了解繪畫材料與創作內涵間密不可分的關係；並且幸運的受業於有「臺灣塞尚」之稱的李焜培教授執教生涯最後一學年的水彩課，大師典範讓他至今印象深刻。

 

小標：《人物畫系列》-婚前旅行的幸福記憶

 

配圖：早晨的梳洗

配圖：印度母與子

配圖：早安！德里

 

吳冠德與從事造型設計、彩妝的妻子石傅曼相識於2006年，於2008年結婚，因為喜歡印度、尼泊爾的人文和民族風情，因此在此規劃他們的浪漫婚前旅行。對於藝術家吳冠德來說，他奉為一生的藝術圭臬為父親臨終遺言-「思考藝術的主體性」，也確認了他「回歸自然」的創作路線，因此他的畫作大都以「自然」為主，在這趟旅行中，吳冠德的水彩寫生，如：《男人的午後時光》、《橘子熟了》、《尼泊爾的老婦人》、《早晨的梳洗》、《山中老父》、《印度母與子》、《早安！德里》等，留下不少傑出的人物畫，可說是彌足珍貴。

 

在《早晨的梳洗》中，有一白髮老翁胸前似揹著嬰孩，手提水壺倒水洗手，其誠懇生活地樸實模樣，格外動人。令筆者想起17世紀荷蘭黃金時代畫家·維梅爾（Johannes Vermeer，1632~1675年）的名畫《倒牛奶的女僕》，二者皆是由容器中倒出水、生動地描繪出液體正在流動的樣子，在靜中描繪出動，在俗民的簡單生活中見證點滴生活小事的美好。

 

《印度母與子》與《早安！德里》皆是顏色鮮明的人物畫，前者以藍、紅二色對比，後方的藍色牆面充分襯托出印度母親的紅色上衣，藍色牆面上的深藍色樹影痕跡，與地面以筆掃過的影子痕跡，加上後方白色牆面的藍色斜線影跡，形成一種近乎「圓形」地反覆迴旋，此種畫法也呼應吳冠德長達18年的持續創作《至圓》的精髓，與《天地流轉》系列作品360度的動態旋轉，顯現出出大自然「生生不息」的循環精神。後者則以色面做處理，將當地的風情揮灑地淋漓盡致、令人暢快不已！

小標：《忘憂系列》-臺灣風情紅到國際

 

配圖：吐納

配圖：吐納創作中

配圖：忘憂一

配圖：吐納、忘憂刊登於世界水彩大賽選集

 

吳冠德在國外遊歷，累積了上百幅外國水彩寫生，在國內，亦積累許多寫生作品，《忘憂系列》亦是其中的代表作之一。1999年9月21日上午1時47分15.9秒，我國發生了921大地震，是自二戰後傷亡損失最大的自然災害，海拔約2000公尺的忘憂森林也在此時地震中形成堰塞水潭，杉木聳立在水窪潭中，加上其根部長年浸泡在水潭中，導致木質枯萎形成白木林，高海拔加上雲霧裊繞，自成一幅人間仙境。

 

描繪出921地震造就的「忘憂森林」美景的《忘憂系列》計有：《默照》、《觀靜》、《忘憂一》、《忘憂二》、《水韻如詩》、《忘憂之映》、《吐納》等作品，其中《忘憂一》與《吐納》皆獲得2014年世界水彩大賽入選，這兩幅畫作也被收錄於《世界水彩大賽選集World Watercolour Competition Catalogue 2014》的161頁，吳冠德也因此於2015年獲邀至法國巴黎進行短期水彩示範教學，也可說是讓臺灣的美景紅到了國際。

 

「寫生，寫的是生命力，寫的是生動的氣韻，寫的是無止息的物我交融，寫的是大地的脈動，寫的是併發流轉的生命感動，寫的是當下，寫的是記憶，寫的是心眼靈視的感覺世界，寫的是永恆的道。」吳冠德說：「我的水彩畫相對油畫比較具象跟寫實，透過寫生，我將忘憂森林的奇幻場景、那種虛實之間的並存給表現出來。」《忘憂系列》的奇幻美景，浪漫而乾淨透徹，也讓觀者見了能夠「樂以忘憂」。

 

在唸師大研究所的期間，吳冠德同時也在母校新莊高中任教，這是他對洪東標老師的承諾，他做過3年的特教組長，還辦過北區的術科聯招，教書兼行政職責，使他無多餘的時間精力從事繪畫創作。「老婆要我將青春奉獻在自己最熱愛的事物上，在夜深人靜時鼓勵我離職創作」吳冠德說道，但學校的同僚皆是吳冠德學生時期的師長，一提離職，面臨地更是排山倒海的人情壓力。「校長說：『你們藝術家就是浪漫，在台灣做專職創作一定會餓死。』並列舉失敗的例子給我聽。」吳冠德笑著說：「但我心裡想的都是成功的例子，於是就決定不給自己留後路，專心投入到創作裡。」

 

小標：《法國寫生系列》異國風情筆中來

 

配圖：停駐的時光(巴黎)

 

2011年，吳冠德辭去長達7年的穩定教職工作，「當時大女兒才1歲，我就帶著妻子一起旅居法國，一邊流浪一邊創作」吳冠德說：「雖然日子辛苦了點，可是精神的回憶是無價的。法國舉目所及，都是最經典的美學作品，每天光是看這些就飽了，我女兒常常抱著一根比他還高的法國長棍麵包，就足夠我們一家人吃一天。」

 

在法國流浪寫生的期間，吳冠德隨身帶著速寫本，走到哪就畫到哪，在此期間，他的繪畫靈感與創作量，都提升到一個新的高度，水彩寫生作品計有：《無聲的香頌》、《凡爾賽牧場》、《陽光艾克斯》、《漫步聖米歇爾山》、《藍調艾菲爾》、《蒙馬特初雪》、《秋瑟(巴黎大皇宮)》、《璀璨巴黎》、《巴黎市政廳》、《莫內的幸福花園》、《如夢秋水｜楓丹白露》、《蔚藍港灣.南法坎城》、《陽光中的聖母.南法》、《萬神殿》、《陽光古城.南法亞維》、《亞維儂玫瑰》、《馬賽港午後》、《塞尚之路》、《光耀戰神.巴黎》等超過100幅作品。

 

「這是一種當下比較即興的一種創作方式，」吳冠德說：「如果拿出相機拍下瞬間結束，離開回來就忘掉了，坐下來畫一張大概10到20分鐘可以完成，每1幅圖都會讓我想到當時的情景，在一筆一畫之間與情境作交流，這個地方才會真正進入到我的心裡面。」

 

吳冠德說：「水彩的迷人之處在於水分暈染的一瞬間，尤其在寫生的時候，整個空氣的流動，非常貼近我要表達的東西。」作品《停駐的時光》採用「濕中溼」的畫法，此種畫法需要利用水、色未乾之際拿捏用色，若過溼則造成顏色流動散佚；過乾則造成顏色無法融洽地縫合，易成呆板之姿，在此幅作品中，足見創作者對於水分與色彩掌控之自信，在繁華的巴黎街道上以水、色交暈的朦朧，凝鍊出一種屬於靜物畫的果含蓄柔潤。

 

配圖： 無聲的香頌 (巴黎蒙馬特) 42cm X 29.7cm

 

《無聲的香頌》是吳冠德2012年冬天在法國的寫生作品，當時他本在普羅旺斯享受和煦的陽光，但聽聞一個機會，可以前往蒙馬特從事藝術創作，於是便攜著妻小風塵僕僕地趕往蒙馬特。「畢卡索、達利等偉大藝術家都曾經在巴黎的蒙馬特工作室進行創作，身為一個創作者，有機會在蒙馬特工作也算是一個夢想，所以當時就搬著所有畫布、家當，舉家從南法坐高鐵前往蒙馬特。」吳冠德說：「當時正好遇到法國十五年來最大的一場雪，這個雪積的很厚，所以這個作品叫做《無聲的香頌》。」

 

香頌（chanson），源自於拉丁文cantio，是法國對歌曲的泛稱，《無聲的香頌》即意指法國吳生的歌曲，這畫名也取的頗有詩意。「在平時，蒙馬特有很多小酒館，是個喧囂的觀光勝地，而在這幅圖中，整個蒙馬特小山丘只剩下一隻貓，在一片寧靜中，踏在雪上，讓整個空間更安靜。」吳冠德說：「我透過一隻黑貓，好像把觀眾帶到時光隧道，這種心境其實就像電影《午夜巴黎》那樣，一個轉角，好像就可以回到那個美好的年代，我在追想著那些偉大藝術家的靈魂們，也許就在這個轉角，你就會遇到達利、就會遇到畢卡索。」

 

小標：成立庶民美術館

 

配圖：庶民美術館照片1~3

 

自法國行旅歸國後，吳冠德與母親、太太一同在三峽老街成立「庶民美術館」，希望打破藝術的「菁英」特質，以「庶民」之姿，讓更多人可以就近親近藝術。母親林素瓊為木工藝術家，庶民美術館內的傢俱、包含招牌，多出於其手藝；妻子與母親並合作植栽，營建空間中的生命力；吳冠德則在充滿古風的基礎上，融合多年來在法國養成的時尚感，使建物兼具古典與設計感，成為打卡的熱點。

 

吳冠德是三峽老街的第三代，日據時期吳冠德的爺爺在老街的92號開設「聚雲齒科」。「父親因為愛好古董，年輕時也做了跟我現在一樣的事，散盡家財成立『聚雲藝術坊』，作為古董與畫作的展示空間。」吳冠德說：「後來三峽老街觀光帶起來之後，老家被賣掉，我們舉家遷居至96號，隔了5年，同樣的事情又發生，因為我們把房子重新設計裝潢，吸引媒體的注目，房子增值，又被趕走了。」

 

原本對三峽舊地心灰意冷的吳冠德，卻遇到老街110號的好房東，周宜發先生。「周先生認為三峽在地的藝術家有李梅樹還有我大伯吳耀忠，希望能夠有所傳承。」吳冠德說：「我將房子租下來，找來古蹟修復團隊與雕塑家，花了9個月的時間才裝修完畢，因為它已經有100年的歷史了，我希望透過整修，至少讓它還可以再撐100年。」

 

庶民美術館坐落於民權街110號，廁所外牆上的TR紅磚，為日據時期台灣煉瓦株式會社的一級磚，是吳冠德從老家拆下來的；兩個圓形窗，呼應吳冠德圓型尺幅的畫作、深長的格局造就賞畫最佳動線、上方的天井為自然的通風與採光，成為古典與現代相結合的展所。

 

吳冠德除了與當代藝術家積極合作，在庶民美術館展出、從事教育活動之外，庶民美術館內部也有許多日據時期與民國時期老物件的常設展，像是其祖父留下的日據時期的藥櫃、還有一罐一罐的罐子放滿祖父當時為病人拔下的牙齒，也保留大伯吳耀忠的陳舊畫具。新舊交融的和諧，也讓庶民美術館成為三峽當地的教育場所。

 

小標：《巨幅油畫系列》氣勢磅礡

 

配圖： 無垠局部

配圖：無垠創作中

配圖：回望

配圖：回望細部

配圖：與自己的巨幅油畫無垠合照

 

 

行為藝術《至圓》開啟了吳冠德《天地流轉》系列作品的創作，也成為吳冠德《巨幅油畫系列》作品之濫觴。以《天地流轉》而言，180cmx180cm的畫幅已屬龐大，但在如同牆面繪製的《巨幅油畫系列》，如：《回望》、《無垠》、《遨遊》、《共生》、《同在》等，尺寸皆在大型油畫的2倍以上，其中尤為難得的是，吳冠德繪畫的細膩程度，並不會因為尺寸變大而變得隨意與粗糙，他仍然承襲《天地流轉》系列的創作方式，利用自然撿拾物，如樹葉、樹枝、石頭等，一一將畫中物象刮除顯現，讓畫面的自然，自然而然地從畫布中生長出、誕生出、顯現出來。

 

被譽為曼哈頓桂冠散文作家的美國現代短篇小說之父歐亨利，其知名作品《最後一片葉子》描寫一位病情告急的女畫家，將所有生命的希望寄託在樹上強風中的「最後一片葉子」之上，一名老畫家於颱風天之夜，奮力地在牆上描繪一片樹葉，就為了讓該名女畫家獲得求生的勇氣，女畫家被強風中屹立不搖的「最後一片葉子」所感動，最後成功對抗病魔。雖然最後老畫家為了畫這片葉子，喪失了生命，但是他也完成自己的心願---創造出一幅不朽的作品。

 

好的藝術作品有安慰人心的力量，這樣的故事，也同樣發生在吳冠德身上。曾經也有這麼一位癌症患者，因為看到吳冠德畫中的小草，努力對抗強風、慷慨激昂地活著，而對生命重新燃起了希望。吳冠德說：「這給了我很大的鼓勵，以前會覺得我們做藝術創作的，是對社會比較沒有貢獻的，經過這個事情之後才知道作品中的精神性或哲理，可以去改變別人的生命，加強了我想來老街開美術館的動力。」

 

《回望》與《無垠》是吳冠德展示在庶民美術館的兩幅巨幅油畫，其使用的主色，幽默一點來說，一藍一綠，也恰巧符合我國的政治生態。巨幅油畫的構圖，都是吳冠德透過空白畫布的冥想關照，再一點、一滴地從畫布中已打好的底色慢慢刮除成形。「三峽離山、離水都很近，特別是從前的三峽景色，在古樸中帶有一種歷史滄桑的感覺。」吳冠德說：「透過寫生，可以把自然落入自己的心裡，當我在創作油畫，要『無中生有』的時候，我的資料庫裡面，就會有很多、我在大自然裡面所體會到的記憶，可以被召喚出來。」

 

 

藍色為主的《回望》畫得是從高處往下俯瞰得山嶺，觀者好似從雲層深處的視角，看見一片樹林的頂端，間或有朵朵浮雲飄過，即使是巨幅油畫，枝微末節也毫不放過，層層疊疊的繁複表現與龐大的畫幅，使人感受身臨其境，更營造出一種氣勢驚人的效果。「這幅畫有兩個顏色，底色是金色，上層是同一個藍色，樹的明暗層次跟色彩的變化，其實是運用刮力的輕重。」吳冠德說：「畫面中所有的元素都是用隨意撿拾的樹枝、石頭、種子刮除，一邊刮一邊讓生命從畫裡面長出來，長出來一棵樹或一群樹，就變成一座森林，留白的地方就是自由穿梭在樹叢之間的雲氣，，很多人看起來會說好像是空拍圖，它其實是一種多重視角，一種可居可遊山水的意念。

 

《無垠》畫得是一望無際的綠色原野，靠近看還可以看見一根一根的小草，在狂風中倔強地屹立不搖，真給人「疾風知勁草」的感覺，這種充滿生命力的感動與生機勃勃的優雅，一根一根地歷歷在目，如同繭絲牛毛、連綿不絕，難怪可以如此震攝人心，使病人重新燃起對生命的熱情與渴慕！吳冠德說：「在我創作過程中，透過身體的介入、身體的參與，把自然的力量跟人的力量作一個呼應，讓觀眾可以進入到我所創造的這個精神場域裡面，自然界的生命都有向下紮根與向上生長的力量，所以有生命的流動在裡面。」

 

結語：藝術之道 回歸自然

 

藝術家吳冠德曾在法國旅居，原本是想在法國念博士，後來感受到自己內心不可遏止的藝術靈魂，於是開始一邊流浪、一邊創作，其後又因《忘憂系列》得獎畫作的因緣，赴法國講習，加上法國總統亦曾親自蒞臨吳冠德於香港的個展，可見其與法國緣分相當深厚。

 

1919至1945年間留法的華人藝術家，之所以後來在國際上嶄露頭角，大都是因為除了在西方接受學院派寫實基礎的教育訓練外，也將「中學為體、西學為用」奉為創作圭臬，這一派的代表，有潘玉良、徐悲鴻、常玉、林風眠、吳冠中、朱德群、趙無極等大師，都以水墨線條、書法韻味，強調「東方」特色，發展至後期，具有「東方」精神的繪畫風格定義越來越廣泛，及至後來，美國抽象表現主義畫家傑克遜·波洛克(Jackson Pollock，1912－1956年)的隨機潑濺藝術，也被視為具有東方情懷之潑墨藝術的另一種實踐方式。

 

此後在國際上闖蕩的華人畫家，為了展現其文化區隔與特色，其展現方式已不只是水墨線條與書法韻味，而是將「黑色」的點線面表現，如同波洛克這樣的表現手法，廣義視為「氣」、「道」的東方情懷，其中亦有不少作品流於草率，將畫作以西方媒材作畫加上幾撇黑色，就成為具有「東方文化」的作品，不但意義盡失，也氣韻全無。

 

而藝術家吳冠德自小受父親影響，其創作深得東方哲學《道德經》的精髓，強調「自然」，更以「無為而為」的方式完成藝術作品，從早期的「行為藝術」到現在的「減法藝術」，離不開的中心思想皆是以「冥想」為主線的「身體行為」，加以自然的表現與自然物的生成，以自然為本的藝術，由於身體的參與，亦體現了東方「天地人」合一的精神思想，與一些濫用黑色、將「氣韻生動」以粗製濫造的線條無限放大的表現有所不同，吳冠德所汲取東方哲學的表現，乃在於靈魂深處對東方文史哲之道的浸淫與實踐。

 

法國人類學家范傑納(A. Van Gennep) 以「通過儀式」的概念，賦予人生從「隔離」至「過渡」到達「整合」的意義，吳冠德以「行為藝術」起家，從18年前創作《至圓》至今，透過反覆畫圓，達到「至圓」的內心和諧，進而衍伸出《天地流轉》與《巨幅油畫》的創作方式，透過重複刮除的創作行為，達到自我與他人內心趨近於「禪」與「道」的儀式，與近現代藝術家以黑色點線面廣義表達東方哲學思想相較，吳冠德的藝術表現，更加具有東方哲學深刻的人文情懷，它透過水彩寫生的基礎，在油畫畫布需要「無中生有」的時刻，自抒心中丘壑、心中山水，此正是唐朝詩人王維《山水論》中提出之「名手之畫山水」。

 

吳冠德辭去了穩定的教職，成為專職的藝術家，到今天成為「庶民美術館」的館長，也將三峽子弟的藝術風骨給傳承下來。唐‧王維《山水論》：「山頭不得一樣，樹頭不得一般。山籍樹而為衣，樹籍山而為骨。樹不可繁，要見山之秀麗；山不可亂，須顯山之精神。能如此者，可謂名手之畫山水也。」以西方媒材創作出實質符合東方哲思的真自然、真山水，其行住坐臥、所學所聞，加上其追尋創作初心的人生抉擇，一吐一吶、盡見風流，在在都是「東方自然」的最佳體現。

 

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